Muzibao

(Notes d'écoute) Instruments rares, Martenot, Thérémine, Lasry & Baschet et Glass harmonica

 

Dans son récent livre, Styles, Marielle Macé cite Bernard Sève, auteur de travaux importants sur les instruments de musique et l’organologie. La voici qui parle (p.113) de « l’émotion assez particulière que l’on peut éprouver devant la foule ingénieuse des instruments de musique et des vies qui vont avec » ajoutant que « "les façons de sonner", comme disait [le poète Francis] Ponge, sont en nombre exorbitant, chacune est un mode du son et une forme d’existence technique ».
On dénombre dans l’histoire plus de 12 000 instruments : timbres, modes d’attaque, registres, variations d’intensité, ressources sonores : l’univers organologique est parcouru d’une infinité de différences. Et « inventer un nouveau son n’est pas résoudre un problème, mais accroître le royaume du sensible sonore, enrichir le monde non seulement d’un objet nouveau (l’instrument) mais d’une couche nouvelle de sensations possibles » dit de nouveau Bernard Sève, cité par Marielle Macé.

Muzibao souhaite s’arrêter sur trois inventions relativement récentes, les ondes Martenot, le Thérémine, et les structures musicales Lasry & Baschet.


Les ondes Martenot
Les Ondes Martenot sont un des plus anciens instruments de musique électronique. Maurice Martenot commence à le concevoir dès 1918 et le perfectionnera jusqu’en 1975. Des compositeurs comme Arthur Honegger, Darius Milhaud, André Jolivet et surtout Olivier Messiaen ont écrit pour les ondes Martenot.
→ On peut voir cette intéressante vidéo du Musée de la musique (9’05)

 

lien de la vidéo
 
ou écouter la Fête des Belles Eaux d’Olivier Messiaen, écrite pour six Ondes Martenot. Voir notamment la section « Eau », à partir de 17’15.

Le Thérémine
Le thérémine est aussi un des plus anciens instruments de musique électronique. Il a été inventé en 1919 par le Russe Lev Sergueïevitch Termen (connu sous le nom de "Léon Theremin" et dont on peut découvrir la vie rocambolesque ici).
Composé d’un boîtier électronique équipé de deux antennes, l'instrument a la particularité de produire de la musique sans être touché par l’instrumentiste. Dans sa version la plus répandue, la main droite commande la hauteur de la note, en faisant varier sa distance à l’antenne verticale. L’antenne horizontale, en forme de boucle, est utilisée pour faire varier le volume selon sa distance à la main gauche. (…) Parmi les compositeurs ayant exploité le thérémine, on peut par exemple citer Edgar Varèse (dans Ecuatorial que l’on peut écouter ici, sous la direction de Pierre Boulez, 12’10) ou Bohuslav Martinů (Fantaisie pour thérémine, hautbois, quatuor à cordes et piano composée en 1945 que l’on peut voir ici, mais avec une justesse qui semble un peu approximative pour le Thérémine). (source)
Un document historique étonnant (mais pas très convaincant sur le plan musical !) : Leon Theremin joue son instrument.
Et pour ceux qui veulent prendre une leçon de thérémine ou qui veulent composer pour l’instrument, cette leçon (en anglais sous-titré) (16’47)

Les structures musicales Lasry et Baschet
Ce sont aussi de passionnantes recherches que menèrent les frères Bernard et François Baschet avec Yvonne et Jacques Lasry. On peut regarder ici un très passionnant documentaire sur ces recherches.


Il faut bien reconnaître que musicalement, le compte n’y est pas tout à fait sauf sans doute pour les Ondes Martenot et en particulier pour leur inscription dans la Turangalîla-Symphonie et la Fête des Belles eaux d’Olivier Messiaen.
Il semblerait que la production des Ondes Martenot ait cessé mais que l’instrument ait inspiré un proche successeur, l’ondéa.

Pour finir un instrument bien plus ancien mais si musical, l’harmonica de verre, inventé par Benjamin Franklin, en 1761. Et pour lequel Mozart a écrit son Adagio et rondo K 617. Présenté ici par Thomas Bloch, musicien spécialisé dans les instruments rares. Et comme par hasard, sur le site de ce musicien on découvre qu’il est spécialiste de l’harmonica de verre… des ondes Martenot ou du cristal Baschet.
On peut aussi voir cette étonnante interprétation de pièces du Peer Gynt de Grieg jouée sur des verres en cristal (harpe de cristal)

Les lecteurs qui voudraient aller plus loin dans la connaissance des Ondes Martenot et du Thérémin peuvent lire cette belle étude.

 

 

(petites notes) La mort du violoncelliste Henrich Schiff

 

Le grand violoncelliste et chef d’orchestre autrichien Heinrich Schiff, né en 1950, vient de mourir à l’âge de 65 ans à Vienne.
Il avait travaillé notamment avec André Navarra, dont le label Fondamenta vient de publier un magnifique coffret d’enregistrements remastérisés. Il se produisait aussi comme chef d’orchestre depuis 1990. Depuis 2012 il avait dû abandonner sa carrière de soliste en raison de graves problèmes de santé.
Il s’était attaché à servir la musique contemporaine et de nombreux musiciens avaient écrit pour lui : Hans Werner Henze, Wolfgang Rihm oder Friedrich Gulda. Il a notamment joué le très étonnant concerto pour violoncelle et orchestre de cuivre de Friedrich Gulda Il était aussi un professeur très estimé. Il comptait notamment Gautier Capuçon parmi ses élèves.

Dmitri Shostakovich Cello Concerto No. 1 in E-flat major, Opus 107, Heinrich Schiff – Violoncello, Esa- Pekka Salonen- Conductor, Swedish Radio Symphony Orchestra

Note d’écoute du concerto pour violoncelle n°1 de Dimitri Chostakovitch par Henrich Schiff
Le premier mouvement s’ouvre sur un thème de 4 notes, DSCH, dérivé du monogramme musical de Dimitri Schostakovich (plusieurs orthographes de son nom existent, Chostakovitch en français, Shostakovitch dans le domaine anglo saxon). Explications (en anglais) ici. DSCH en effet, en notation anglaise ou allemande où les notes sont représentées par des lettres, se traduit par ré mib do si. Bach a souvent utilisé le motif de son nom, qui se traduisait par si b la do si bécarre
Muzibao recommande particulièrement le mouvement lent de ce très beau concerto (composé pendant l’été 1959) à partir de 6’34. Il s’ouvre par un grand thème élégiaque. On remarque la très belle mélodie au violoncelle à 7’32, le jeu intense et intérieur du soliste à 11’53, le motif semi dansant et très bouleversant (13’41), le jeu dans l’extrême aigu, volontairement grinçant à 16’39 puis le quasi duo violoncelle et célesta, comme un dialogue de spectres (de nouveau vers 16’58) et le très beau mouvement de l’archet à 18'39, juste avec le pizz final des violons, 19’05. La cadenza qui occupe tout le troisième mouvement est une intense pièce jouée en solo. Voir par exemple à 21’16 le mélange du jeu à l’archet et du jeu pizzicatto et la très belle image à 22’ du chef, dans l’écoute intense du soliste. Une partie très virtuose conclut ce mouvement soliste.

Une interview d’Heinrich Schiff pour la BBC (en anglais)

Et bien sûr, une des suites pour violoncelle seul de Jean-Sébastien Bach. Muzibao recommande particulièrement la Sarabande à 9’3

(note d’écoute) "Chorals de Leipzig" de Jean-Sébastien Bach

 

Le 4 décembre 2016, dans une petite église de la toute proche périphérie de Paris, à Boulogne-Billancourt, l’organiste Liesbeth Schlumberger se lançait dans un marathon audacieux, tant pour elle bien sûr que pour le public : l’intégrale des 18 Chorals pour orgue de Leipzig (environ deux heures de musique). Une très belle expérience.

Un concert
Dimanche d’hiver, froid certain à l’extérieur avec la nuit qui tombe très tôt et froid tout aussi certain à l’intérieur d’une église sans grâce particulière, Notre Dame de Boulogne. Un orgue moderne, manufacture Yves Fossaert, 2008. Un dispositif vidéo simple mais ingénieux qui permet aux auditeurs installés dans la nef de voir, sur écran, l’organiste cachée derrière la tribune. L’église est comble et contre toute attente, le restera jusqu’à la fin de ces deux grandes heures de musique magnifique mais austère.
Les Chorals de Leipzig sont des pièces pour orgue, dix-huit en tout avec des durées allant de 3 à 8 minutes pour la plupart, appartenant à un recueil dit Autographe de Leipzig, qui n’est pas un recueil établi par Jean-Sébastien Bach lui-même mais qui a été constitué après sa mort. Ce sont des pages « mises au point ou recopiées dans les ultimes années de Bach ».
Muzibao voudrait ici non pas se lancer dans une critique exhaustive du concert, mais plutôt donner à entendre quelques-unes des pièces, quelques extraits de ces pièces d’orgue, peu spectaculaires, mais tellement riches, que sont les Chorals de Leipzig, dont les derniers à figurer dans le recueil n’ont pas été copiés par Bach, qui vivait ses derniers jours.
Et dire peut-être ce que c’est qu’un choral et donc comme on peut l’entendre.

Un choral ?
Un choral (à ne pas confondre avec une chorale) est un genre musical liturgique, créé au XVIe siècle dans le cadre de la réforme protestante luthérienne, pour être chanté en chœur par les fidèles pendant le culte. La particularité est que les paroles sont uniquement en langue vernaculaire. Il se veut simple afin d'être chanté et retenu par les fidèles. Par extension, le mot désigne une pièce jouée à l'orgue, plus rarement au clavecin, sur le thème du chant correspondant (on parle aussi de « prélude de choral »). Cette forme a été très utilisée pendant la période baroque, avec des variantes (source).
Dans le cas des pièces d’orgue, donc, celle-ci est identifiée, le plus souvent, par le tout début du texte dont elle s’inspire. Exemple : le choral de Leipzig n° 6, BWV 656, est titré : « O Lamm Gottes unschuldig », « O innocent Agneau de Dieu ».

Quelques exemples musicaux :
→ Pour quelques données sur le choral, notamment chez Jean-Sébastien Bach, le début de ce cours du site Gradus ad Parnassum, jusqu’à 3’30.

→ Un choral chanté :
Ici le choral final (audio seul) de la cantate Jesus bleibet meine Freude, de Jean-Sébastien Bach, enregistrement public du concert inaugural du Bach Collegium Paris, le vendredi 9 juillet 2010 à 20h30 en la Basilique Sainte-Clotilde (Paris 7e).
Une toute autre version, celle d’Harnoncourt.
Et une dernière, d’une autre grande figure du baroque, Ton Koopman.
Sur cette pièce brève de trois minutes, l’occasion de comparer trois interprétations et de voir à quelle point celle-ci est cruciale dans le rendu de la musique.

Les chorals de Leipzig
Certains de ces chorals sont bien plus connus que d’autres, tout simplement parce qu’ils sont souvent donnés lors de cérémonies religieuses dans les églises.

Les plus passionnés et patients pourront visionner cette très belle série, avec partition en lecture simultanée. Pour information la ligne du bas, sur la partition, correspond à l’écriture pour le pédalier. Dans le premier choral, on entend très distinctement les notes longues et très graves ainsi produites. (voir par exemple à 1’36)

Et voici un choral très connu, joué par Benjamin Allard, sur l’orgue Aubertin de l’Eglise Saint Louis en l’Ile à Paris, le choral de Leipzig n° 9, « Nun, komm’ der Heiden Heiland », BWV 659.
Minutage, 4,30.
Ce cantique ouvrait déjà le Petit Livre d’orgue de Bach et il revient trois fois dans le recueil de Leipzig. Ce qui est aussi une manière de souligner comme travaillait Bach, à partir de ces chorals, des ces « chants donnés », sur lequel il appliquait toute sa science, immense et produisant parfois des oeuvres monumentales, surtout eu égard à la simplicité de ce chant de départ. J’emprunte deux ou trois éléments à l’excellent Guide de la musique d’orgue, paru chez Fayard : « La mélodie apparait au soprano, dans les mille volutes d’une richissime ornementation, sorte d’arioso d’un haut pouvoir expressif. (…) Pour sa part, la basse s’avance en une pulsation régulière de croches [voir à 2’32, le pédalier], respiration sereine pour ce chant exalté. »

Et pour finir, ce même choral, dans une transcription pour piano, jouée par Wilhelm Kempff (1976 – durée 4’33).

 

(note d’écoute) "Burning Bright "d’Hugues Dufourt : une oeuvre envoûtante qu'il faut laisser agir

 

(à l’occasion de la sortie du disque et d’un concert gratuit, le 10 décembre 2016, en l’Église Saint Paul à Strasbourg.)
 
C’est un récent article de Bruno Serrou qui a attiré mon attention sur l’œuvre d’Hugues Dufourt, Burning Bright, commande des Percussions de Strasbourg, pour leur cinquantième anniversaire. J’ai pu l’écouter via mon abonnement streaming et j’ai également trouvé cette vidéo, qui me semble importante, parce qu’il est bon de voir comment cette musique inouïe est produite, par quels gestes, avec quels instruments.
Je cite Bruno Serrou : « Quarante ans après le magistral Erewhon (1977), Hugues Dufourt (né en 1943) se plonge de nouveau dans la percussion pour lui consacrer une œuvre de très grande dimension, intitulée Burning Bright, une heure cinq de pure magie sonore composée pour le cinquantième anniversaire des Percussions de Strasbourg, commanditaires et créateurs d’Erewhon. Le titre du disque est tiré du premier vers d’un poème de William Blake, The Tyger. « Tyger, Tyger, burning bright / In the forest of the night / What immortal hand or eye, / Could frame thy fearful symmetry ? » (« Tigre, tigre, ton éclair luit / Dans les forêts de la nuit / Quelle main, quel œil immortels / purent créer ton effrayante symétrie ? »).

Écoute
A mon sens, il est bon de visionner en premier lieu les 10 minutes de vidéo disponibles qui donnent une bonne idée de l’instrumentarium extraordinaire à la tête duquel se trouvent les six musiciens percussionnistes de Strasbourg. Des instruments à gratter, à frotter, à faire vibrer, instruments à toucher, à caresser, à heurter, et quasi tous producteurs de résonances. Peu de frappes directes.
Hugues Dufourt donne quelques clés pour appréhender cette œuvre nouvelle sur laquelle il travaille depuis 2010 : réflexions autour du geste (tailler, assembler, déplacer et briser), sur les modes de jeu, sur les associations instrumentales et la substance sonore. À ces objectifs théoriques correspondent des objectifs artistiques qui combinent essence de la percussion, temporalité, essence de la composition et esthétique.
Avec ce dernier point, Hugues Dufourt définit en quelque sorte le contour de son projet : « L’esthétique récente a souvent pris l’entropie pour un principe libérateur, alors qu’elle ne faisait que consentir à la pulsion de mort et sombrer dans un univers anomique et dépressif. Le propre de la percussion est au contraire de tirer son pouvoir d’émergence de son exploration des profondeurs. » (source)

Le disque : Hugues Dufourt (né en 1943) : Burning Bright pour six percussionnistes. Les Percussions de Strasbourg. 1 CD Percussions de Strasbourg. Enregistré en mars 2016 au Théâtre de Hautepierre à Strasbourg. Texte français/anglais. Durée : 65′.

La vidéo, durée 11’47’’

D’autres ressources en ligne :
Un article de Michèle Tosi chez ResMusica.

Un entretien avec Hugues Dufourt à propos de Burning Bright (Vidéo, 6’54’’). Cet entretien porte en particulier sur la composition lumineuse d’Enrico Bagnoli qui a été conçue en même temps que la musique pour ses représentations publiques. Et dont Hugues Dufourt a tenu compte dans son propre travail d’écriture musicale.

Une belle biographie d’Hugues Dufourt sur le site des éditions Lemoine : « Hugues Dufourt privilégie les continuités et les lentes transformations d'un discours musical qui n'est que rarement interrompu. Il conçoit des formes par évolution de masses et travaille sur les notions de seuils, d'oscillations, d'interférences et de processus orientés. Pionnier du mouvement spectral, il lui accorde toutefois une définition plus large, cherchant à mettre en valeur l'instabilité que le timbre introduit dans l'orchestration. Sa musique repose sur une richesse de constellations sonores et harmoniques et s'appuie sur une dialectique du timbre et du temps. Il puise une partie de son inspiration dans l'art pictural, dont il retient essentiellement le rôle de la couleur, des matières et de la lumière (Dawn flight, quatuor à cordes créé en 2008 à Musica, Le Cyprès blanc et L'Origine du monde, créés à Musica 2004). »

Citations :
→ « Burning Bright" (2014) est surtout « frotté », envoûtant, mystérieux : une sorte de description sonore du silence d'avant les hommes, créateurs de netteté, où ne regnaient que « les fluides et les gaz », écrit Dufourt, un monde sans "contours ni clôtures". Cela enfle, cela fuit, cela disparait, réapparait autrement par nappes colorées. »
Absolument splendide. (Jacques Drillon, L'Obs, n°2710 du 13/10/2016)
*
→ « Douze parties sans coutures pour une pièce d'un seul tenant, dotées de titres (vertical, suspendu, tourbillons, lointains) qui évacuent toute référence aux instruments comme à leurs matériaux. Exit les sections "peaux", "métaux" et "bois" qui ont eu naguère leur heure de gloire, car les familles sont ici constamment recomposées au profit d'un nuancier incroyablement vaste. Une hydre à six têtes et douze bras assemble les timbres dont les identités individuelles s'effacent dans une matière en transformation constante - procédé cher à Dufourt quand il compose pour orchestre. Le jeu collectif des fluides et des dynamiques prend le dessus sur le combat de forces antagonistes attendu. » (Pierre Rigaudière, Diapason, oct 2016)

Le point de vue de Muzibao : une œuvre envoûtante, qu’il faut laisser agir. Une œuvre de musique contemporaine, mais largement accessible et qui ouvre un univers sonore d’une richesse inouïe. Une forte expérience sonore et musicale. Visionner la vidéo permet de découvrir quelques gestes très particuliers, comme la mise en rotation des cimbales (premières secondes) ou la frappe d’un dome en plexiglas qui flotte sur l’eau (9’57’’). Ensuite, il faut sans doute fermer les yeux, entrer dans chaque son, l’accompagner dans sa résonance et dans l’alliage de sa résonance propre avec les autres résonances.