Muzibao

(note d'écoute) Livre-disque "Ein feste Burg ist unser Gott", par l'ensemble Vox Luminis

 

C’est un livre-disque d’une grande richesse que vient de publier le label Ricercar (Outhere). Double richesse en fait, qui repose sur l’articulation d’une présentation historique approfondie quoique relativement brève et très accessible, avec un riche florilège d’œuvres, interprétées par un ensemble de voix de plus en plus en vue, Vox Luminis, sous la direction de Lionel Meunier.

Ein feste Burg ist unser Gott (C'est un rempart qu'est notre Dieu), titre d’un célèbre choral luthérien, est aussi celui choisi pour ce livre-disque de format 21 x 13,5 cm, qui contient deux CD. Sur la page de couverture, un portrait de Luther jeune par Cranach l’Ancien. Avec une main ouverte, qui semble suggérer la musique, y inviter.
Luther a très tôt attaché une grande importance à l’apport de la musique dans la pratique religieuse. C’est ce que démontre le texte inclus (en trois langues) dans ce livre : il mène le lecteur d’un rappel de la Réforme luthérienne, avec la publication des 95 Thèses en 1517, à une brève description de la liturgie luthérienne pour ensuite développer la conception que Luther a de la musique, avec un petit détour par le contexte de la vie musicale allemande à son époque.
Luther va en premier lieu constituer, et c’est capital pour la suite de l’histoire de la musique, un répertoire de base, les chorals, avec une première édition en 1524 du Geistlich Gesangbüchlein par Johann Walter. « Le principe de la mélodie de choral est d’être syllabique, de se développer dans une métrique simple et régulière et d’être facilement mémorisable afin de pouvoir être assimilée et apprise par les fidèles. ». Les mélodies de ce premier livre sont des emprunts à des mélodies existantes, grégoriennes ou profanes, mais surtout des compositions originales. On attribue même la composition de certains chorals à Luther qui était musicien. Ce choral est l’élément emblématique de la musique luthérienne, poursuit le texte et il va petit à petit devenir partie intégrante du matériau thématique dans lequel puisent les compositeurs.

Les œuvres
Les enregistrements (plus de deux heures et demi de musique), qui figurent sur les deux disques, formant une sorte d’anthologie, vont de la génération de Martin Luther (1483-1546) à celle de Heinrich Schütz (1585-1672), sachant que Bach, lui, verra le jour le 21 mars 1685. On peut citer quelques-uns de ces compositeurs, Heinrich Scheidemann (1595-1663), Samuel Scheidt (1587-1654), Praetorius (15671-1621), Thomas Selle (1599-1663).

Les deux disques
Il y a une vraie direction artistique derrière tout ce projet. Elle est le fait de Jérôme Lejeune, avec à n’en pas douter la complicité du directeur artistique de l’ensemble Vox Luminis, Lionel Meunier. Les deux CD sont très bien conçus, avec une alternance de pièces pour orgue (interprétées par Bart Jacobs) et d’œuvres chorales de différentes dimensions, pour divers effectifs. L’ensemble au complet comporte six soprani, deux contre-ténors, quatre ténors et trois basses mais on a peine parfois à concevoir que l’effectif est si réduit, eu égard à l’ampleur, à l’opulence du tissu musical. L’ensemble est d’une remarquable homogénéité, d’une intonation évidemment parfaite, avec une grande souplesse des voix et des ressources expressives étendues.
Le premier disque est conçu autour de l’année liturgique et enchaîne des pièces pour les différents temps de cette année, depuis l’Avent jusqu’à la Trinité et il se conclut par un ensemble autour du choral éponyme, Ein Feste Burg ist unser Gott, inspiré du psaume 46 dont Martin Luther a réalisé la première traduction en langue allemande et composé la mélodie. Choral qui allait devenir un vrai chant de ralliement pour les luthériens et base de la composition de maintes œuvres ultérieures, dont bien sûr la Cantate BWV 80 de Bach.

Écouter le choral "Ein feste Burg ist unser Gott", version de Melchior Franck (1579-1639), CD1, 15. Durée 1’10

Le deuxième CD est consacré aux fondements de la liturgie luthérienne avec des œuvres de Schütz (Deutsches Magnificat), avec des Passions, des Requiems et des œuvres autour du dogme.
Chaque œuvre est présentée de manière à la fois succincte et très précise et bien entendu les paroles de toutes les œuvres sont disponibles en trois langues, anglais, français et allemand (quatre quand l’original est en latin).
On notera enfin la belle iconographie qui accompagne les textes du livre.

Un ensemble remarquable qui peut toucher aussi bien l’historien passionné d’histoire des religions, ceux qui s’intéressent à la musique d’église sous toutes ses formes, que le mélomane curieux qui ira de découvertes en découvertes. Le tout procurant un très grand plaisir sonore, loin de l’austérité que l’on prête parfois au protestantisme.

Une vidéo de présentation du disque

Lien de la vidéo, durée 4’35
Avec le Veni sancte spritus de Thomas Selle

Écouter un extrait du disque :

Écouter "O Jesulein mein Jesulein" de Johann Hermann Schein (1586-1630), durée : 2'44

Ressources

→ Liste complète des pistes des deux CD, avec brefs extraits, sur la page dédiée au disque sur le site d’Outhere.
→ L’article « Choral » de Wikipédia.
→ sur le thème « Martin Luther et la musique », cette notice du Musée virtuel du protestantisme.

→ Ein feste Burg interprété lors de la fête funéraire de Kurt Masur en janvier 2016,par le Thomanerchor, chœur d’enfants et de jeunes, en l’église St Thomas de Leipzig dont Bach fut le Cantor et où se trouve sa tombe.

Lien de la video, durée 4’23

Vox Luminis
L'ensemble Vox Luminis voit le jour en 2004 à l’occasion d’un concert donné à Namur — capitale de la Wallonie, Belgique. Il se définit comme un groupe à géométrie variable composé de solistes — pour la plupart, issus du Conservatoire Royal de musique de La Haye — d’un continuo et d’instrumentistes additionnels, selon les besoins. En 2009, Vox Luminis se fixe définitivement à Namur.
Dès sa création l’ensemble se caractérise par sa cohésion et séduit tant par la personnalité de chaque timbre, que par la coloration et l’homogénéité des voix. Tous les membres de Vox Luminis sont enthousiastes à l’idée de partager avec le public leur passion de la musique ancienne. Le répertoire est essentiellement italien et allemand du XVIe au XVIIIe siècle. (source)

→ Un récital Purcell et Fux de Vox Luminis à Saintes, en 2015
Durée :1:24’47

→ La Déploration sur la mort de Jean Ockeghem de Josquin
Durée : 4’45

→ Le précédent disque de Vox Luminis, Actus Tragicus


Ein fest Burg ist unser Gott, Luther and the music of the Reformation, Vox Luminis, direction Lionel Meunier ; Bart Jacobs, orgue. Un livre double CD Ricercar, durée, 02:35'00. RIC 376. 

 

 

(Notes d'écoute) Sergio Orabona

 

Les Parisiens qui s’intéressent à l’orgue, mais aussi tous les mélomanes qui se sentent attirés (ou au contraire repoussés !) par cet instrument doivent savoir qu’un samedi par mois, en l’église Ste Clotilde, dans le VIIème arrondissement, ils peuvent voir de leurs yeux un organiste en action. Le magnifique instrument Cavaillé-Coll de cette église, dont le titulaire est Olivier Penin, est doté d’une seconde console, mobile. Lors des auditions d’orgue organisées le 2ème samedi de chaque mois à 17 heures (durée une heure), les auditeurs qui pour une fois, et c’est rarissime avec l’orgue, sont aussi spectateurs, peuvent s’asseoir à quelques mètres de cette console. Occasion de découvrir l’immensité des ressources mises à la disposition de l’interprète et la complexité du jeu d’un organiste qui, ici, actionne quatre claviers de 61 notes et un pédalier de 32 notes, sans parler de dizaines de boutons, tirettes et pédales, permettant de convoquer tel ou tel jeu, telle ou telle combinaison de jeux. L’expérience est fascinante.
Muzibao reviendra un jour sur cet instrument qui fut tenu notamment par César Franck, Charles Tournemire ou Jean Langlais.
Une page sur l’orgue de Sainte-Clotilde

En ce samedi 11 mars, c’est un organiste napolitain mais actuellement titulaire de la St Nikolaus Kirche de Stuttgart qui est invité aux commandes de l’instrument, Sergio Orabona, né en 1978. Il donne un beau programme qui équilibre bien les pièces virtuoses et les pièces plus méditatives, les pièces connues et celles qui le sont moins : Louis Vierne, César Franck, Eduardo Torres, Marcel Dupré, Marco Enrico Bossi, Enrico Pasini et l’éblouissante Toccata de Simon Preston, d’une exigence folle notamment pour les pieds et jambes de l’interprète ! Un morceau de bravoure qui montre que l’orgue n’a rien de l’instrument ringard ou sirupeux, aspect sous lequel il est trop souvent dépeint. Muzibao rappelle d’ailleurs que deux grands instruments de concert ont été inaugurés récemment en France, celui de Radio France et celui de la Philharmonie et que de nombreux musiciens contemporains, tels Thierry Escaich, écrivent pour l’orgue (et sont parfois organistes). Et que deux très grands compositeurs étaient aussi organistes, Anton Bruckner et Olivier Messiaen.

Sur cette vidéo, Olivier Penin, l’organiste titulaire de St Clotilde, interprète sur la console mobile, dans la nef, la « Toccata » de la Symphonie n°5 de Charles-Marie Widor (C’est exactement ainsi que l’on voit les organistes lors des auditions d’orgue du samedi).

 

Lien de la vidéo, durée, 5,55’


Sergio Orabona interprétant un Boléro de concert de Louis Lefébure-Wély :

 

Lien de la vidéo, durée, 3,51.


Et la Toccata de Simon Preston (organiste titulaire de Westminster, claveciniste et chef de chœur britannique), interprété par John Scott dans le cadre du Festival d’orgue de Stuttgart que dirige Sergio Orabona. Même si la caméra ne focalise pas sur le pédalier, on devine un peu l’importance du jeu des pieds dans cette œuvre.

Lien de la vidéo, durée : 6’14

 

 

(notes d'écoute) Sonates (Ropartz et Fauré) par Louis Rodde et Gwendal Giguelay

 

Une triple découverte avec ce disque : deux jeunes interprètes, le violoncelliste Louis Rodde et le pianiste Gwendal Giguelay et une sonate d’un musicien assez peu joué, Joseph-Guy Ropartz (1864-1955). Cette sonate voisine sur ce disque violoncelle et piano avec les sonates n° 1 et n° 2 de Gabriel Fauré.

Les interprètes
Les deux jeunes musiciens ont été reçus, au début du mois de février, dans la matinale de France Musique. Ils parlent d’eux, de leur rencontre, de leur recherche commune et on peut entendre deux extraits substantiels de leur disque.
Gwendal Giguelay, 31 ans fut élève de Michel Béroff, Claire Désert et Jean-Claude Pennetier tandis que Louis Rodde a travaillé lui notamment avec Roland Pidoux et Clemens Hagen.

Joseph-Guy Ropartz
Mais qui était donc Joseph-Guy Ropartz ? Né en Bretagne, en 1864, il se destinait d’abord au droit mais il entre au Conservatoire de Paris en 1885, où il suit la classe d'harmonie de Théodore Dubois et celle de composition de Jules Massenet. Puis il entre dans la classe d’orgue de César Franck. Ce qui ne l’empêche pas de publier en 1889, avec Louis Tiercelin Le Parnasse breton contemporain, une anthologie de la poésie bretonne de la seconde moitié du XIXe siècle !
On peut lire à son propos une belle notice sur le site musicologie.org, illustré de photos et documents.

Le disque
Il faut parler d’abord de l’objet disque, car chez NoMadMusic, on attache une grande importance à cet aspect, travaillé avec soin au même titre que la prise de son (les très belles réalisations d’Hannelore Guittet) ou le choix du programme. Qu’on se souvienne du disque Une Nuit américaine récemment paru.  Sur la couverture les deux musiciens sont assis sur un canapé orange un peu désuet avec à leur pied un « tourne disque » digne des années 60 et un fond de papier peint bleu à losanges qui court dans toute la plaquette ! Certains labels ont l’intelligence de comprendre que pour sauver le CD à l’heure des fichiers numériques, il faut prêter attention à son aspect matériel et en faire un objet de désir.
On peut découvrir ici les deux musiciens, travaillant la sonate de Ropartz :

lien de la vidéo
Le disque a placé en position centrale la sonate de Ropartz. Une musique dense, de très belle qualité, qui évoque souvent César Franck et singulièrement le Quintette avec piano en fa mineur, peut-être pour l’élan qui anime la musique, la tend vigoureusement. On remarque souvent une très belle fusion sonore des deux instruments, créant presque l’illusion d’un seul instrument, autre, différent. On retrouve ces mêmes qualités de fusion sonore et d’imagination musicale dans les deux Sonates de Fauré. Voici un extrait du mouvement lent, andante, de la sonate n°1 en ré mineur.  

Ecouter Fauré sonate violoncelle piano n° 1 en ré mineur, andante, extraits, 2'36

Ressources
On peut voir Louis Rodde et Gwendal Giguelay jouer ici la Sonate de Claude Debussy : enregistrement le 19 septembre 2012 au Théâtre des Bouffes du Nord à Paris (11’50)
On peut aussi écouter ce Nocturne pour piano de Ropartz joué par Stéphane Lemelin (4’36)
Des extraits du disque sont disponibles en écoute sur le site du label NoMadMusic.  

Références
Sonates
Fauré, Ropartz
Louis Rodde, violoncelle & Gwendal Giguelay, piano.
Gabriel Fauré (1845-1924) sonate n° 1 op. 109 en ré mineur et sonate n°2, op. 117 en sol mineur. Joseph-guy Ropartz (1864-1955), sonate du n° en la mineur.
enregistré en février 2016 à l’Auditorium du conservatoire de Gennevilliers
NoMadMusic NMM037

Les liens bleus s'ouvrent par simple clic et conduisent pour la plupart à des fichiers audio ou vidéo

 

 

(notes d'écoute) "De la percussion", de Philippe Leroux

 

Autant il est naturel, évident même, pour un livre de porter un titre, autant cela est plus rare pour un disque. Et d’autant plus intéressant.
Il faut donc être attentif à celui de ce CD dédié à des œuvres de Philippe Leroux et le prendre au pied de la lettre : De la percussion. Ce n’est pas le titre d’une œuvre, mais le titre du disque paru chez Soupir Éditions*. Il regroupe trois pièces, disposées en triptyque : De l’itération, Les Uns et De la vitesse.
Un titre ou un sous-titre qui commence par De… implique que l’on va réfléchir, de manière un peu générale, au sujet en question.
De la percussion donc. Sur la couverture, un portrait de Philippe Leroux, ce titre et Sixtrum, le nom de l’ensemble de percussionnistes de Montréal qui jouent en sextuor pour les œuvres 1 et 3 et en trio pour l’œuvre centrale.
On a presque à faire ici avec un traité de percussion, tant l’écoute de ce CD, plusieurs fois répétée, permet de découvrir l’extrême diversité des climats sonores et des effets qu’elle rend possibles. Et qui sait, ultérieurement, de mieux les entendre à l'intérieur d'un ensemble symphonique. 

Les œuvres font appel à un large instrumentarium**, avec deux particularités pour la première et la troisième pièce : l’une est jouée principalement sur des instruments à hauteur déterminée (des claviers possédant des hauteurs de notes précises), l’autre sur des instruments à hauteurs indéterminées. Le disque peut être un excellent prétexte pour se pencher un peu sur ce que sont les percussions contemporaines. Muzibao propose donc en fin d’article deux vidéos qui permettent d’écouter divers instruments.
Philippe Leroux, dans l’excellente notice du disque, explique comment il a travaillé avec l’ensemble Sixtrum pour produire « toutes sortes de tonalités de résonances, de frottements et de crépitements ». Ce qui frappe en effet ici, où les percussions sont seules et comme à nu, c’est l’extraordinaire variété des manières de les jouer (on avait pu l’observer aussi avec Burning Bright de Hugues Dufourt) : effets de rebondissements, frottements, crissements, engrenages, évanouissements, superpositions, grincements, glissements, tintements, etc. À chaque nouvelle écoute, on découvre de nouvelles couches sonores, de nouveaux sons. Effets de textures et de grain d’où émergent, transitoirement, des figures ou des fragments de mélodie.
La pièce centrale explore des transformations de figures mélodiques et rythmiques. Elle est assez différente des deux autres. « C’est, écrit Philippe Leroux, une musique de continuum mais de continuum actif et dynamique ». L’auditeur est invité à vivre le passage entre différents états d’une matière et « au sein de ces transformation apparaissent des textures et des formes qui appartiennent au monde collectif des symboles et des figures sonores. ». De la percussion, c'est donc aussi cela, ce répertoire sous-jacent de sonorités et de productions sonores qui remontent à la nuit des temps.
On ne sait s’il y a une fonction imageante de ces percussions, si on peut ou doit les rattacher à tels ou tels vécus ou réminiscences sonores. Chacun peut en tout cas enrichir son écoute de cette dimension personnelle. Cette musique semble y inviter. L'ensemble du disque frappe aussi par son climat de grande douceur, loin de l'image que l'on pourrait se faire des percussions.

Ecouter le début de la pièce "Les Uns", de Philippe Leroux, durée environ 3'

LES RESSOURCES

1. Sur les percussions de l’orchestre, en général
○ Cette excellente vidéo proposée par l’Orchestre de Paris.
○ Et ce film (en anglais) où David Corkhill présente certains des instruments de la section percussion d’un orchestra symphonique :
Vibraphone - 00:07
Xylophone - 02:29
Marimba - 03:31
Glockenspiel - 04:53
Bass Drum (Grosse caisse) - 05:54
Tam-Tam - 07:19
Snare Drum (Caisse claire) - 08:57
Cymbals - 10:49
Triangle - 13:14
Crotales - 14:17
Tambourine - 15:16

2. Sur l’ensemble de percussions Sixtrum
○ vidéo de présentation de l’ensemble.
○ Ici tableau du répertoire de l’ensemble avec quelques courts extraits dont un de Philippe Leroux
○ Philippe Leroux en répétition avec Sixtrum sur la pièce De la vitesse

3. Philippe Leroux
○ La présence de Philippe Leroux dans un séminaire de Philippe Manoury, au collège de France, le 17 février 2017, sur la notion d’Espace en musique, avec quelques extraits de De la percussion
○ Il faut savoir enfin que Philippe Leroux fait partie des compositeurs sélectionnés pour le Grand Prix lycéens des compositeurs, pour son œuvre Quid sit Musicus ?. on peut donc sur le site du Prix trouver de nombreuses ressources sur le musicien

Muzibao publiera très prochainement un entretien avec Fabrice Marandola qui anime l’ensemble de percussions Sixtrum.


*Philippe Leroux, De la percussion, Soupir Editions (distribution Socadisc) - S232

**voici par exemple les instruments de la pièce centrale (on aurait aimé voir figurer ces informations dans la pochette du disque !)
I - 1 marimba 4 octaves, 1 bol japonais (Rin), 2 gongs thaïlandais, 1 senza accordable (2 lames), 1 grelot, 1 paire de maracas, 5 wood-blocks, 1 grande cymbale suspendue, 1 cymbale splash, 1 petit gong d’opéra chinois
II - 1 vibraphone 4 octaves, 10 crotales, 1 jeu de cloches à vaches, 1 bol japonais (Rin), 1 simantra en métal si possible en la, 7 temple-blocks (ou 6 T.B. en doublant de préférence le 1 et le 2 graves), 1 grande cymbale cloutée
III - 1 marimba basse 5 octaves, 1 stand gongs thaïlandais (ou à la rigueur une octave de cloches à vaches), 2 gongs thaïlandais, 1 senza accordable (2 lames), 1 bol japonais (Rin), 1 rototoms, 1 très grand guiro, 1 tambour de basque, 1 jeu de boobams (ou à la rigueur différents bongos), 1 tam-tam moyen

 

 

(note d'écoute) les Humoresques de Sibelius par Nicolas Dautricourt

 

Nicolas Dautricourt donne une très belle version de diverses pièces de Sibelius pour violon et orchestre.

Le disque
Si le concerto pour violon de Sibelius(1865-1957) est un vrai tube de la musique classique, au même titre sans doute que son Finlandia ou la Valse triste, il est des pages beaucoup moins connues, beaucoup moins servies par les grands interprètes et c’est à celles-ci que ce très beau disque est consacré.
Véritable découverte, il répertorie l’ensemble des pièces pour violon et orchestre de Sibelius, hors ce fameux concerto. À savoir les Humoresques op. 87 et 89, Deux pièces op. 77, deux Sérénades op. 69 et une Suite op. 117. Il est complété d’œuvres pour violon et piano, Cinq pièces op. 81 et l’op.2 qui comporte trois pièces.
Des pièces très variées, très séduisantes, où le violon brille de tout son éclat et s’exprime dans tous ses registres, du plus brillant au très mélancolique, du grave à l’extrême aigu, virtuose et séducteur.
Les pièces pour piano et violon semblent peut-être un peu moins convaincantes mais en fait si on leur trouve parfois un petit côté « salon » c’est un choix intentionnel du violoniste qui a voulu contrebalancer le côté très sombre de certaines des pièces pour violon et orchestre.
Dans la notice du disque Nicolas Dautricourt assume un « certain dégoût des programmes trop convenus ». En phase avec le label, il propose ici l’exploration de sentiers nouveaux, que les fervents de Sibelius s’empresseront de suivre, mais qu’il faut aussi conseiller à ceux qui sont moins familiers de l’œuvre car voici un superbe disque de violon, avec une prise de son rendant pleinement grâce au violon de Nicolas Dautricourt, un Stradivarius « Château Papa Clément » confié par l’institut culturel Bernard Magrez.

Les œuvres
Les 6 Humoresques op. 87 et 89 furent écrites en 1916-1917. Elles furent crées par Paul Cherkassky. Elles composent en fait un seul ensemble.
La première a des allures de mazurka et annonce la Symphonie n°6 ; la seconde associe un perpetuum mobile et des figures virtuoses à la Paganini ; après la troisième, en forme de gavotte, la quatrième apporte une atmosphère de calme. Virtuosité de nouveau avec la cinquième et retour à l’introspection avec la sixième. (libre traduction du site Sibelius.fi). On note la beauté un peu étrange des premières notes de la première et de la cinquième Humoresque, dont voici le début :

Écouter le début de l'Humoresque de Sibelius,Op. 89 III. No. 3 in E-Flat Major (2'22)

Superbe aussi l’ensemble Cantique et Dévotion op. 77 de 1914 et 1915. Certains ont cru discerner des analogies avec l’adagio de la Symphonie n°7 dans le Laetare anima mea.

Pour qui voudrait suivre la musique des Humoresques en les écoutant, cette version de Salvatore Accardo avec le London Symphony Orchestra sous le direction de Colin Davis, avec la partition déroulante.

Le label
Muzibao souhaite mettre en avant des labels à taille humaine qui ont une véritable politique éditoriale.
La Dolce Volta c’est d’abord une image, une vraie image de marque, avec des disques très soignés, le beau logo en forme de scooter, des pochettes évitant le vilain et fragile plastique au profit d’un vrai étui cartonné, à la couverture vierge de texte mais ceinte d’un bandeau amovible. La Dolce Volta dit vouloir « renouveler la perception du disque » et en faire un objet de luxe (mais il faut noter que les prix des CD du label restent très abordables !)
Quant à la ligne éditoriale, elle repose sur « le lien particulier d’une œuvre et d’un interprète » et chaque disque, dans cette double optique, est conçu comme un vrai objet d’art. Le livret comporte ici un entretien avec le violoniste. Il pourrait encore s’étoffer un peu selon Muzibao, avec une analyse des œuvres et idéalement, la reproduction de certains thèmes musicaux.

Enfin le site du label est très complet et permet notamment d’entendre les 30 premières secondes de la plupart des plages du disque :
Page du disque sur le site de la Dolce Volta
(En revanche la vidéo proposée n’est pas de très bonne qualité sonore et dessert l’artiste plus qu’elle ne le met en valeur !)

Sibelius
la page Sibelius sur Wikipedia, en français, mais Muzibao recommande surtout le très passionnant et complet site Sibelius (en anglais), avec de très belles photos, des analyses d’œuvre, etc.
En français on peut lire aussi le livre de Richard Millet, Sibelius, Les Cygnes et le Silence, paru en 2014, aux éditions Gallimard.

Humoresque ?
L'Humoresque (ou Humoreske) est un genre de musique romantique caractérisé par des morceaux d'humour fantaisiste dans le sens de l'humeur plutôt que de l'esprit. Le nom fait référence à l'Humoreske terme allemand, qui a été donné à partir des années 1800 (décennie) aux contes humoristiques.
Parmi les exemples notables d'humoresque, on note la Grande Humoresque de Schumann en si bémol majeur (op. 20, 1839), et les huit Humoresques de Dvořák (op. 101, 1894), dont le no 7 en sol bémol majeur est bien connu, Scherzo, Humoresque, Adagio espressivo d'Arthur Honegger. (source)

Nicolas Dautricourt
Le violoniste est né en 1977. Il a été notamment l’élève de Tibor Varga ou de Gérard Poulet.
Sa biographie.
Ses projets

Les références du disque
Sibelius, Humoresques
Nicolas Dautricourt, violon
Orquestra Vigo 430, Alejandro Garrido Porras
Juho Pohjonen, piano
Un CD La Dolce Vita, LDV 23

 

 

(Note d'écoute) "Une nuit américaine"

 

Muzibao ne peut prétendre couvrir toute la production discographique, celle-ci étant considérable. Mais le site aimerait attirer l’attention sur certains disques et labels qui font un travail éditorial tout à fait remarquable.

Ce sera le cas par exemple avec ce disque proposé par NoMadMusic. Sous le beau titre de « Une nuit américaine », il présente des œuvres chorales du Nouveau Monde, une sorte de « Nocturne qui aurait été écrit conjointement par les six compositeurs (tous américains) de ce programme ». Un petit pan de la création pour chœur a capella aux États-Unis de 1921 à 2002. Un disque, dit le livret, qui suscite « un des états intermédiaires du sommeil, à l’endormissement ou bien au réveil ». Ne surtout pas comprendre qu’il soit ennuyeux, mais qu’il suscite une expérience musicale forte et particulière !

Qui sont donc ses six compositeurs ? Certains noms sont bien connus, d’autres peut-être moins comme Steven Stucky (1949-2016) dont est donné ici le très beau Whispers avec quatuor vocal et chœur en tutti, sur un poème de Walt Whitman. Avec l’autorisation du label, Muzibao propose un court extrait de deux minutes de cette œuvre qui en compte sept.

un extrait de "Whispers" de Steven Stucky par l'ensemble Métaboles

Peu connu aussi en France, Eric Whitacre, né en 1979, personnage étonnant qui a monté via les réseaux sociaux un chœur virtuel. Sa composition Sleep, présente sur le disque, peut être entendue ici donnée par ce chœur virtuel (on trouvera à cette adresse toutes les explications, en anglais, sur cette entreprise). Si la prestation du chœur virtuel est honorable, elle permet aussi de mieux percevoir, par comparaison, l’exceptionnelle qualité de la proposition du chœur Métaboles, sur laquelle nous allons revenir. On trouve aussi une très belle actualisation du chant sacré anglo-saxon dans la composition O magnum Mysterium de Morten Lauridsen, œuvre de 1994, (voir une vidéo de cette pièce ici)
Les trois autres autres compositeurs sont beaucoup plus connus, depuis Aaron Copland (1900-1990) présent sur ce disque avec quatre motets, écrits en 1921, Samuel Barber dont le célèbre Agnus Dei figure au centre du CD ou Morton Feldman (1926-1987) dont Benoît Walther, président de l’ensemble Les Métaboles et auteur de la belle notice, dit que son Christian Wolf in Cambridge, composé en 1963, est « le cœur chronologique et poétique » de cette nuit musicale.
Et en ce qui concerne Samuel Barber, l’ensemble, il faut l’en féliciter, a été soucieux de montrer d’autres aspects de sa musique chorale que l’Agnus Dei, qui est au demeurant un arrangement, version pour chœur du fameux Adagio pour cordes de 1938, lui-même issu du premier quatuor à cordes du compositeur. « Une nuit américaine » propose donc cinq autres pièces vocales de Barber, trois Réincarnations (poèmes de James Stephens), Let down the Bars, o Death (poème d’Emily Dickinson) et To be sung on the Water (poème de Louise Bogan).
Avec l’autorisation du label, Muzibao propose ici Let down the Bars, O Death (on peut lire le texte du poème ici)

Samuel Barber, Let down the Bars, O Death, par Les Métaboles

Les Métaboles donnent une interprétation enthousiasmante de ces quinze pièces, excellant à créer une atmosphère onirique, parfois spectrale, de toute beauté. Les voix sont d’une magnifique justesse, très équilibrées entre les différents pupitres et à l’intérieur de chacun, avec des éclats solistes, en particulier dans l’Agnus Dei de Barber, qui font un peu penser à celui de l’admirable Miserere d’Allegri dans la version du King’s College.
L’ensemble vocal Les Métaboles a été fondé en 2010 par Léo Warynski et il est formé d’une petite trentaine de jeunes chanteurs professionnels investis dans la musique pour chœur a capella du XXe et XXIe siècle.

Concernant le label, il faut attirer l’attention sur son site, très bien fait et le soin apporté à l’objet disque, avec une belle recherche visuelle, originale, un peu comme des scènes de film. Qu’on en juge en visitant la page du disque Une nuit américaine sur le site.

Un projet et un programme d’une belle cohérence, qui proposent de multiples découvertes, servis par un ensemble vocal de très haut niveau.

 

Dans les coulisses de l'ensemble Les Métaboles :

 

 

lien de la vidéo, durée 3'30 mn

 

 

 

(notes d'écoute) Anton Bruckner par Daniel Barenboim

 

En ligne, ici (en anglais) un entretien avec Daniel Barenboim à propos d’Anton Bruckner.
[Ma traduction] : « Bruckner est un monde très spécial et spécifique à l’intérieur du monde de la musique. Son idiome et son langage musicaux sont post-wagnérien, fin XIXe. Mais la forme appartient au Classique, presqu’au Baroque. Et cela donne le sentiment que l’on a affaire à deux ou trois siècles de musique en même temps. Je pense que plus je dirige Bruckner, plus je perçois qu’il ne s’agit par avec lui d’une construction mais plutôt d’une expédition archéologique. Je sens que chaque partie, notamment dans les dernières symphonies, entraîne plus loin et plus profond sous la terre. »
NB : en haut à droite de l’écran, lecteur pour le fichier audio, 17’ (en anglais). Daniel Barenboim passe en revue, rapidement, les neuf symphonies de Bruckner et donne quelques exemples musicaux.

A propos toujours de Bruckner, il disait presque la même chose dans un entretien avec Guillaume Tion pour Libération : « son langage musical est typique XIXe, ça sort de Wagner. Si on ne connaît pas Wagner, on ne peut pas vraiment aborder Bruckner. D’ailleurs les orchestres qui jouent des opéras, comme la Staatskapelle ou le Philharmonique de Vienne, ont un rapport différent à cette musique contrairement à ceux qui n’en jouent pas, car ils n’ont alors pas de relation intime avec Wagner. Mais si le langage musical de Bruckner est XIXe, la forme, par contre, est presque baroque : ce n’est pas une sonate, c’en est une variation, très carrée, découpée. Et il y a quelque chose dans l’atmosphère qui me fait penser au Moyen-Âge. Est-ce parce qu’il était croyant ? Je n’en sais rien, mais une chose est claire : quand je dirige Bruckner, j’ai le sentiment de traverser quatre ou cinq siècles. »

Barenboim a donné au disque trois intégrales des Symphonies de Bruckner. La toute dernière avec la Staatskapelle de Berlin.
On peut voir ici précisément la Symphonie n°3 dirigée par Daniel Barenboim, à la tête de la Staatskapelle, concert donné à la Philharmonie de Paris, le 7 janvier 2017 (vidéo en principe disponible 5 mois, durée un peu plus d’une heure)

tout début du 4ème mouvement (1'30) :

Bruckner 3ème symphonie début du 4ème mvt

 

 

(notes d'écoute) Les webradios de France Musique

 

France Musique a lancé le 16 décembre sept webradios dédiées bien sûr à la musique, classique, jazz, musiques du monde et contemporaine.
Muzibao s’intéresse ici particulièrement à la webradio « La Contemporaine » avec un compte-rendu d’écoute et un entretien avec un de ses programmateurs, Olivier Le Borgne.
Au sujet de ce lancement, on peut lire cet article du journal Le Monde.
On peut aussi lire cette présentation des webradios sur le site de France Musique.


1. Note d’écoute
○ Mode d’emploi :  il faut se rendre sur le site de France Musique, puis cliquer en haut à droite, sur « Webradios », et ensuite cliquer sur la webradio de son choix. Les webradios ne sont pas encore accessibles sur les applications France Musique pour smartphones ou tablettes, mais le seront dans le courant de 2017.
En bas de l’écran, sur un bandeau, l’œuvre en cours, le chronométrage et en cliquant sur « toutes les œuvres », on retrouve toutes les indications sur l’enregistrement diffusé et ceux qui l’ont précédé. Il y a encore parfois quelques bugs, mais dans l’ensemble tout cela fonctionne très bien.

○ Muzibao a procédé à de très nombreuses heures d’écoute de la webradio « La Contemporaine ». L’expérience est très intéressante et enrichissante. Il est impossible de citer tous les compositeurs entendus, mais en voici quelques-uns, Berio, Reich, Crumb, Kagel, Ligeti, Tansman, Lutoslawski, Rautavaara, Parmegiani, Ferrari, Denis Dufour, Risset, Eötvös, Hilborg, Pintscher.
L’écoute donne une vraie impression de découverte, il y a manifestement un travail subtil de programmation et il peut arriver que des raretés soient proposées comme Violostries de Bernard Parmegiani, pratiquement introuvable en disque et notamment dans la version diffusée, avec le violoniste Devy Erlih. Un commentaire verbal est incrusté périodiquement et donne une impression de présence humaine, rare sur une webradio.
Selon Muzibao, cette webradio peut permettre à un auditeur curieux de s’initier à la musique contemporaine (depuis 1945) et de développer sans doute petit à petit une vraie culture à son sujet. On sait que l’accès à la musique contemporaine est toujours difficile, même si de nos jours le streaming et désormais une webradio comme « La Contemporaine » permettent de s’y initier dans de bonnes conditions.


2. Entretien avec Olivier Le Borgne
Olivier le Borgne est un des programmateurs des webradios de France Musique. Il a bien voulu répondre aux questions de Muzibao.

Muzibao : Lors du lancement des webradios, il a été précisé qu’il ne s’agissait pas de robinets à musiques…. Quelles idées régissent la programmation ? Et qui en est en charge ? Comment les programmateurs travaillent-ils, concrètement ?

Olivier Le Borgne : Chacun des trois programmateurs (Robert Rudolf, Benjamin Hertz et Olivier Le Borgne) est en charge de la programmation, par blocs de trois heures. C’est la première idée : la programmation est effectuée par des humains, et jamais par un quelconque algorithme ou autre robot, il est important de le préciser. Les moteurs qui nous meuvent sont la passion, les connaissances personnelles, la curiosité sans cesse en éveil, le désir de faire partager l’amour de la musique contemporaine au plus grand nombre, en nous donnant pour principe de casser les idées reçues, et en prouvant par la programmation elle-même que les musiques contemporaines offrent un terrain extraordinaire à l’imaginaire, au jeu, à la sensualité. Il va sans dire que nous prenons grand plaisir à découvrir ou redécouvrir des univers, des compositeurs ou des œuvres méconnues, comme nous en prenons évidemment à faire découvrir ce que nous connaissons plutôt bien. Le fait de programmer thématiquement est extrêmement enrichissant pour chacun de nous trois.


M : comment est conçue la grille horaire et quotidienne du programme ? Y a-t-il des séquences de base, des modules, qui se répètent, se combinent et selon quel schéma dans une journée ? À quelle périodicité se renouvelle le programme et comment doit faire l’auditeur pour ne pas retomber toujours sur les mêmes œuvres, pendant une période donnée ?

OLB : La grille de programmation se présente sous forme d’une boucle de 21 heures (7 blocs de 3 heures qui s’enchaînent) allant de minuit, dans la nuit du dimanche au lundi, à 21h le lundi. Ensuite cette boucle de 21 heures se décline 7 fois jusqu’au dimanche suivant minuit. À minuit, apparaît un nouveau bloc de programmation de 3 heures qui vient enrichir la boucle. Cette dernière devant, pour les raisons liées aux déclinaisons, conserver sa durée de 21 heures, l’effet immédiat de l’apparition de ce nouveau bloc sera de faire « disparaître » de la boucle le dernier module (celui qui allait de 18h à 21h précédemment). Nous procédons exactement de la même manière pour chacune des autres webradios. Notre objectif est qu’arrivés à un certain terme (dans 5 ou 6 mois par exemple), nous puissions stopper ce système de boucles et en plus du rafraîchissement effectué par les nouvelles programmations, rediffuser des modules datant de plusieurs mois auparavant. La grille sera alors plus riche, moins automatique.
Pour le dire autrement, dans le cadre du système actuel, quand l’auditeur écoute une œuvre à 19h le lundi, il pourra retrouver celle-ci à 16h le mardi, 13h le mercredi, 10h le jeudi, 7h le vendredi… et ainsi de suite. La boucle de 21 heures permettant cette dérive de 3 heures. Ce système peut convenir parfaitement à un auditeur qui a un créneau d’écoute identique chaque jour de la semaine. Il peut également convenir au « randomeur » qui en retrouvant les mêmes programmations, peut enrichir sa connaissance d’une même œuvre.


M : les courtes introductions sont-elles une des spécificités des webradios de France Musique et comment travaillez-vous cette spécificité ?

OLB : Oui, les courtes introductions vocales, éditorialisées et réalisées par les programmateurs eux-mêmes au micro, sont une des spécificités des webradios de France Musique (plus précisément pour La Contemporaine, Ocora-Monde et Les Concerts Radio France, les autres webradios ne proposant pas de présentations vocales). Nous sommes toujours à la recherche du micro juste : pas trop long, bien rythmé, ne paraphrasant pas nécessairement les métadonnées que l’internaute trouvera sur le site, mais en donnant à l’auditeur des informations ou des anecdotes sur les œuvres diffusées, les compositeurs ou les interprètes. Des informations qui peuvent aider dans la progression de l’écoute, qui peuvent même rythmer celle-ci. C’est une gageure particulièrement motivante dans cette belle aventure !


M : à terme pourra-t-on réécouter des « tranches de la webradio », ou les œuvres programmées, un peu comme des playlists ? Et y a-t-il ou y aura-t-il un moyen d’avoir accès au programme à l’avance ?

OLB : Non, on ne pourra pas à terme réécouter des tranches de webradios, de même que les œuvres programmées. Quant au fait d’avoir accès au programme à l’avance, ce n’est pas à l’ordre du jour, mais ce n’est pas non plus impossible de le souhaiter, de l’imaginer. Ceci étant, le fait de ne pas connaître la programmation à l’avance possède ses vertus : celle de la surprise, celle d’apprendre à ne pas tout contrôler et se laisser surprendre…


M : Pour l’écoute sur tablette ou smartphone, il semble qu’il faille passer par le site de France Musique ? Via un navigateur… quand est-ce que les webradios seront intégrées à l’appli France Musique ?

OLB : Les webradios seront intégrées à l’appli France Musique (qui sera renouvelée) dans le courant du premier semestre 2017, à priori.


NDLR, à titre d’exemples, le temps de la préparation de cet article ont été diffusées des œuvres de Steve Reich, Jean-Claude Risset et Henri Dutilleux.

 

 

 

 

 

 

(notes d'écoute) Des pas sur la neige

 

Quelques pièces musicales inspirées par la neige ou évoquant la neige :

Deux pièces de Debussy en ouverture :
« Des pas sur la neige », dans les Préludes, ici joué par Walter Gieseking et ici par Arturo Benedeti Michelangeli
« Snow is dancing » dans les Children’s Corner, joué ici par Ivan Moravec (2’47). Une très belle version des Children’s Corner, celle de Samson François (intégrale, ici, 16’. Snow is dancing est à 7’51).
Children's Corner (littéralement « Le Coin des enfants ») L.113, est une suite de six pièces pour piano seul composée par Claude Debussy entre 1906 et 1908. Il l'a dédiée à sa fille alors âgée de trois ans, Claude-Emma (1905-1919), plus connue sous le surnom de Chouchou. La partition porte d'ailleurs en dédicace : « À ma très chère Chouchou… avec les tendres excuses de son père pour ce qui va suivre ». (source)

Ralph Vaughan Williams (1872-1958)
Antartica Symphony
La symphonie n° 7 de Ralph Vaughan Williams que l’on peut entendre ici sous la direction de Bernard Haitink avec la soprano Sheila Armstrong

 

lien vers la vidéo (London Philharmonic Choir (Chorus master: Richard Cooke) London Philharmonic Orchestra, durée environ 43’.
En réalité, il s’agit d’abord d’une œuvre de commande pour le film L'Épopée du capitaine Scott (sorti en 1948) ; mais le sujet inspire tant Vaughan Williams qu’il décide de retravailler sa composition pour en faire naître une symphonie à part entière. Terminée en 1952, cette symphonie dédiée à Ernest Irving est créée dès l’année suivante à Manchester par le prestigieux Hallé Orchestra sous la direction de Sir John Barbirolli. (source)


Randall Thompson (1899-1984)
stopping by woods on a snowy evenings,
sur un poème de Robert Frost :

 

lien vers la vidéo
Extrait de Frostiana de Randall Thompson chanté ici par le Leoni Men’s Choir.

Le poème de Robert Frost

Whose woods these are I think I know.  
His house is in the village though;  
He will not see me stopping here  
To watch his woods fill up with snow.  

My little horse must think it queer  
To stop without a farmhouse near  
Between the woods and frozen lake  
The darkest evening of the year.  

He gives his harness bells a shake  
To ask if there is some mistake.  
The only other sound’s the sweep  
Of easy wind and downy flake.  

The woods are lovely, dark and deep,  
But I have promises to keep,  
And miles to go before I sleep,  
And miles to go before I sleep.

On peut écouter l’ensemble du cycle Frostania, ici par le Harvard University Choir.

Il y a bien sûr également tout le Wintereise, Le Voyage d’hiver, de Schubert sur lequel Muzibao reviendra longuement ultérieurement.

 

 

(Notes d'écoute) Instruments rares, suite (Henri Dutilleux)

 

En dehors des œuvres évoquées dans cet article, il en existe une autre, sans doute assez peu connue, où les Ondes Martenot jouent un rôle très important, il s’agit de pièces de jeunesse d’Henri Dutilleux, Les Trois tableaux symphoniques d’après Les Hauts de Hurlevent. On a pu les entendre récemment sur la webradio La Contemporaine de France Musique.
« Dutilleux recourt aux Ondes Martenot comme dans les Trois tableaux symphoniques, conçus pour une adaptation théâtrale des Hauts de Hurlevent. Cette utilisation forte de l’instrument électrique dans une musique expressive, incomparable, au sens étymologique du terme même, n’empêche pas les ombres de Ravel, Roussel, Debussy, Poulenc de glisser. (source) »
Muzibao n’a pu trouver de ressource gratuite et légale en ligne pour faire écouter cette musique. Elle est disponible dans le streaming de Qobuz.

L’œuvre date de 1945 : Trois tableaux symphoniques d'après 'Les hauts de Hurlevent', musique de scène pour le Théâtre Hébertot (1944-1945)
On peut en écouter de très brefs extraits ici, où l’on entend très bien les Ondes Martenot. Elles auraient été utilisées pour imiter les hurlements des chiens dans la lande.
voici par exemple le début de « La Marche du destin » (audio, 1’, début légèrement différé) :

Dutilleux Trois tableaux symphoniques

 

Il existe un enregistrement récent de l’œuvre, avec l’Orchestre National des Pays de la Loire, sous la direction de Pascal Rophé. Le disque comporte également Le Loup, Trois sonnets de Jean Cassou, La Fille du diable, Quatre mélodies. L’ondiste est Valérie Hartmann-Claverie.