Poezibao

(Note de lecture), Jeanine Baude, Les roses bleues de Ravensbrück, par Michaël Bishop

 

L’oeuvre poétique de Jeanine Baude est aujourd’hui d’une ampleur considérable, allant de Ouessanes (1989), Concerto pour une roche (1995) et Incarnat désir (1998) jusqu’au Chant de Manhattan (2006), Juste une pierre noire (2010), Soudain (2015) et Oui (2017). Accompagnée de récits et essais et objet d’une réimpression, par La rumeur libre, de tous les recueils, elle prend manifestement sa place à côté des grandes œuvres féminines de la poésie française contemporaine.
Et Les roses bleues de Ravensbrück révèle indéfectiblement la puissante continuité de cette voix simultanément ancrée dans la diversité du vécu et cherchant à y glisser l’énergie que fournit sans cesse le désir de voir dans celui-ci sa musique, son altérité, l’éclat de sa stricte poïéticité, autrement dit cette indicible et éprouvante beauté logée au fond de ses contradictions, ses apories, ses terreurs mêmes. Ce serait en vain qu’on verrait dans ce livre simplement un document, le récit d’un moment d’abomination, de déshumanisation, de terreur, et même la lamentation sur de telles horreurs. Les roses bleues de Ravensbrück est surtout le poème d’un cri du cœur, une cascadante partition, une rythmique fondée sur le désir, certes d’honorer, de témoigner, d’exprimer une solidarité avec ‘ces femmes // Tuées. Trouées. Clouées. Battues. Violées. // […] ces femmes / dont le désir fut si fort qu’il soulevait la mort / comme se lève une voile de navire / comme on prend la mer’ (11). Voici, en effet, le poème, simultanément, inextricablement, de l’au-delà de ce qui étouffe et écrase, le poème qui chante ce qui a été, est toujours, sera, le poème d’un chant qui excède tous les signes de la mortalité, de la maladie, tous les signes d’un apparent hasard existentiel souvent si brutal. Poème, ainsi, du fatal et poétique enchevêtrement de l’existence, de son improbable continuité, de la gloire persistante, du difficile mais exaltant et destinal devoir qu’il nous incombe de caresser, aimer, chanter, acccomplir, faire : cette plongée dans le poïein de ce que nous sommes, le poème à jamais possible – non seulement malgré Ravensbrück et les infinies violences de chaque moment, mais, et surtout, pour ce qui ne cesse de naître, de s’offrir – au sein de tout être, de toute étance. Et ce faire devient ainsi non seulement désir, mais aussi réalisation spirituelle ici et maintenant par le biais du poïétique, acte et lieu d’un ‘épanouissement’, d’un ‘baptême’, d’une ‘danse’, multiforme, ‘effrénée’, improbable, comme dirait Yves Bonnefoy, mais possible, réelle au cœur du ‘tournant des choses’ que matérialise et spiritualise le faire du poème (16). Car ce long poème est carrefour et carrousel, plaque tournante du désespoir et de la joie, site de transmutation, de cette irrésistible ‘résistance’ dont nous parle Jean-Luc Nancy et qui ne cesse de viser, de voir, de vivre, incarner dans la chair de ses paroles ‘les brassées, les dentelles d’écume / [qui] viennent rafraîchir vos seins // vous, enveloppées de senteurs d’aurore / au moment où je me lève / à l’instant où j’écris / je, vous // le rayon vert toujours en place / sur la nuit de vos amours / je, vous’ (31).
Intime, affinitaire, visionnaire, universalisant, Les fleurs bleues de Ravensbrück offre la lumière inextinguible de l’amoureuse beauté du mourir-vivre, l’incessant et résolu jaillissement du créer au centre du vertige de ce qui est. Ce don de ce que le poème, se décrivant, appelle ‘l’immuable force à reprendre / en soi’ (53).

Michaël Bishop

Jeanine Baude, Les roses bleues de Ravensbrück, La rumeur libre, 2021, 77 pages, 15 euros.

(Note de lecture), Patricia Valduga, Cent quatrains érotiques, par Christian Travaux

 

Christian Travaux a proposé à Poezibao cette note de lecture du livre de Patrizia Valduga, cent quatrains érotiques, traduction de l’italien et postface de Paolo Bellomo et Camille Bloomfield, édition bilingue, éditions Nous, 128 p, 15 euros.

Il est accessible ici au format PDF en cliquant sur ce lien.

(Hommage) à Henri Deluy (25 avril 1931 - 20 juillet 2021), par Julien Blaine

 

Marseille en partage
Hommage à Henri Deluy
par Julien Blaine

ça commence souvent comme ça :
des affinités,
une solidarité entre ces poètes qui fabriquent des revues, qui organisent des festivals, qui ont des amis communs et qui voyagent pour dire là-bas ce qui se passe ici et, ici, ce qu’ils ont vu et rencontré là-bas.
Avec Henri ce fut ainsi.
 
Son Action Poétique de 1958 à 2012
Sa Biennale internationale des poètes en Val-de-Marne de 1991 à 1997
Joseph-Julien Guglielmi, Jean-Jacques Viton et toi, Liliane Giraudon, sa Lili, « la petite » comme parlant de toi, il te nommait ; pour ne citer que les plus anciens, les plus assidus et les plus permanents !
Et rappeler celles&ceux des derniers jours : son tuteur Michel Demoulin, sa compagne de jadis toujours présente hier et hui en soutien Elisabeth Roudinesco et d’autres amies à son chevet telles Maxime-Hortense et Dominique et Frédérique…
 
Mais revenons à Henri à travers le monde aux quatre coins de notre pourtant sphérique planète.
Malgré tous ces points de rencontre, notre rencontre – à nous – fut à l’origine compliquée. Il faut arriver à se souvenir ou à imaginer, jeunes gens ! la force inouïe de la gauche non seulement électoralement mais surtout culturellement et encore plus dans les domaines artistiques et poétiques.
 
A cette époque nous étions toutes&tous de gauche. 
“Gauche” n’était pas alors un mot neutre, sans saveur, insipide, sans contenu et sans signification.
Elle n’était ni “consensuelle” ni “compatible” de ci de là avec quiconque !
C’était une force réelle, j’étais, moi, plutôt avec mes amis anars et autres libertaires tendances gaucho version autonome et Henri était tout à fait communiste au sein de son parti.
ça crée de belles discussions, de belles engueulades, finalement des liens et une vraie amitié !
Et puis nous avions Marseille en partage, cette ville de toutes les couleurs aux 140 villages dont Les Goudes où il fut et Mazargues où il repose, sans compter la mer et ses iles…
 
Henri et sa passion de la cuisine ! Ce « mangeur de la mer… » Quel souvenir cette lecture aux théâtre des Bernardines avec son ami Pierre Lartigue, tandis que sur scène rôtissait pour son public un cuissot de sanglier…
Et personne, à ce jour, n’a réussi à nous départager, les caillettes se mangent avec des olives vertes selon lui ou noires selon moi ?
En tout cas désormais je les dégusterai avec des olives vertes !
 
C’était un partisan et un militant politique – oui ! – mais surtout un partisan et un militant pour la poésie.
Quand on lit sa revue, quand on découvre les invités de sa biennale on vérifie sa générosité et son esprit d’ouverture…
Comment a-t-elle écrit ça Cécile Vargaftig : 
« Aujourd’hui avec le recul je prends conscience du génie qui a été le sien de faire tenir Action poétique contre vents et marées, avec cet équipage improbable de poètes à couteaux tirés. Ce qu’il a fait de la revue est une œuvre en soi !
 
Je me souviens quand j’ai invité Action Poétique au festival de Lodève à l’été 2010 pour les Voix de la Méditerranée l’éclectisme et la beauté, donc la vérité de son choix :
“[…] il est question de Liliane, moi, Claude Favre et Maxime Pascal, Action Poétique prenant à son compte Saskia de Jong... Est-ce que ça marche ainsi ?” 
Demandait-il.
“Oui ça a marché ainsi Henri, merveilleusement !”
 
Cette ouverture et cette soif, cet appétit des autres on les retrouve dans les innombrables anthologies qu’il a écrites et fait éditer :
 
De L'Anthologie arbitraire d'une nouvelle poésie. 1960-1982. Trente poètes chez Flammarion en 1983 aux Poètes néerlandais de la modernité aux Temps des cerises en 2011 en passant par celles ceux d’une Autre anthologie ou d’une Anthologie de circonstance ou d’une Anthologie de rencontres ou d’une Anthologie immédiate sans oublier celle des troubadours, une quinzaine en tout !
 
Appétit encore du traducteur, curiosité et générosité :
de Adriaan Roland Holst, chez Seghers en 1954 à Anna Akhmatova, chez Al Dante en 2015
et Fernando Pessoa et Alexandre Tvardovsky et ceux de la République Démocratique Allemande (ainsi nommée jadis), et les slovaques, et les tchèques et les soviétiques !
et Vladimir Maïakovski,
et Ossip Mandelstam
 
C’est le révélateur et le catalyseur d’un XX^e siècle de la poésie !
Et qui plus est c’est un poète…
Ainsi nous avions fêté ses 80 ans à Marseille à l’espace Montevideo, il y a donc une dizaine d’années et il se confia…
Nous étions là et il nous dit son lien entre le communisme et la poésie ! Belle émotion même si toutes ou tous ne partageaient pas ses convictions.
 
comment l’écrit-il ?
 
Impossible de le
Dire.
Impossible de le
Penser.
Couvrir, pousser
Dessus.
Dans la densité,
La profondeur.
La consistance.
Ne forcer
Que dedans.
 
(Les arbres noirs – éditions Flammarion – 2006)
 
Puis un clin d’œil sur Henri le séducteur :
 
ton étoffe dans le son
si petit
qu'il déchire ta bouche
 
avec mon œil qui est encore ce qui te voit le mieux
impossible transparence
 
(Les mille – éditions Seghers – 1979)
 
à mon âge, Henri, vous êtes plus de votre côté, désormais le tien, que du mien…
 
Julien Blaine (Juillet 2021)

Photo Henri Deluy à Marseille aux États Généraux de Poésie en 2017

(Note de lecture), Myriam Eck, Un bruit de terre, par Antoine Bertot

Un bruit de terre est un recueil de deuil resserré dont chaque page est constituée de quelques vers denses. Le titre, tout en monosyllabes, lourd de ses consonnes, laisse entendre l'encombrement de la langue en même temps qu'il suggère une réduction de la perception et du sens : la mort maintient en-deçà de l'articulé, dans ce « bruit », conséquence à la fois concrète des gestes de l'enterrement et plus intime de l'obscurcissement provoqué par la peine (« La terre a embourbé ma tête »). L'écriture travaille avec ce peu qu'il reste possible de dire et de faire et ne peut d'ailleurs pas s'en détourner : la perte retient et épuise les mots et le corps. S'impose alors une impuissance qui empêche toute avancée, interrompt tout élan et force à l'immobilité (« Je ne marche plus / À terre »), au mutisme (« Les mots déchaussés »). En cela, la mort suspend le cours du temps aussi pour les vivants : « Des heures qui ne passent pas ».

Le recueil progresse pourtant, petit à petit, par reprise des mêmes images, des mêmes mots. Ainsi du verbe couper qui exprime d'abord la séparation entre le corps maintenant sous terre et le souvenir qui en est gardé (« Ton corps s'est partagé / Coupé / Sans art »), puis l'interruption brutale de la vie (« L'air s'est coupé de toi / Coupé / De l'endroit où tu étais »), enfin la blessure (« La plante de mes pieds // Coupée »). En somme, diverses nuances de la douleur se figurent en un mot. Il en va un peu différemment du creux, autre image essentielle du recueil. Ce creux désigne autant l'espace de la tombe et la disparition du corps (« Le corps de la terre où ton corps s'est creusé »), le vide laissé par l'absente et le manque alors ressenti (« Je t'ai serrée si fort dans ma tête qu'elle s'est creusée »), qu'un lieu d'accueil tout intérieur (« Ta saveur // Un creux dans ma tête »). Ce qui n'était que vacance devient, au fur et à mesure de la lecture, le lieu à la fois de l'effacement et de la conservation de la mémoire de la défunte. Pour reprendre une formulation d'Antoine Emaz, des « chemins de langue » se tracent moins par extension que par approfondissement car la rumination du deuil (« Jamais je n'aurai mangé autant de terre »), paradoxalement, est renouvellement : « Sous le visage / Pousse la terre dans la terre ». C'est une germination singulière, celle d'un sol fertilisé par le précédent : une filiation.

En ce sens, la personne disparue prend corps dans celui de la poète et la vie de l'une poursuit la vie de l'autre : « Tu reposes en moi / Ton âge dans le mien ». Sans oubli de la perte ni dépassement illusoire du deuil, une légère consolation s'esquisse : « La terre ne se tait plus ». Cette « terre » du deuil n'étouffe plus la langue, mais, dans un presque rien, retrouve la parole.

Antoine Bertot

Myriam Eck, Un bruit de terre, avec des gravures de Marie-Christine Béguet, Éditions Érès, collection Po&psy, 2021, 70 p., 15€

(Notes sur la création) : Matthieu Messagier au pays de Trêlles

Vidéo : Matthieu Messagier au pays de Trêlles

Le lien vers la vidéo


En hommage à Matthieu Messagier, qui est décédé ce 1er juin 2021, ce petit film de 10 minutes où on le voit sur son fauteuil roulant expliquer sa poésie. Cette vidéo de 1997 pour le magazine culturel « Metropolis » d’ARTE, avait été réalisée par Nicola Sornaga, qui plus tard a fait un long-métrage complet sur Mathieu Messagier : Le Dernier des immobiles (2003).


Matthieu Messagier dans Poezibao :
un extrait
Extrait 2
et un autre extrait

Isabelle Baladine Howald signale, en écho à cette note sur Messagier, des souvenirs sur lui par ses amis. Malek Abbou, Michel Collet, Louis Ucciani, Barbara Puthomme, Nicolas Sornaga, Christophe Fourvel, Alexandre Rolla, Jean-Pierre Cretin dans l’excellente revue (gratuite) Novo, sur l’activité culturelle à Mulhouse. Ouvrir la revue.

Ainsi que la réédition de One Kiss par JP Cretin et M. Messagier, chez MediaPop, belles éditions mulhousiennes dirigées par Philippe Schweyer et Bruno Chibane. Sur le site de l'éditeur.

(Note de lecture), Emmanuèle Jawad, Interférences, par Anne Malaprade

Voici un petit livre qui « clique » et qui « claque » : ses propositions se jouent en marge du réel sans pour autant coïncider tout à fait avec la réalité. Un petit livre « clic-clac », dont chaque texte constitue un claquement sec et répété. Cette onomatopée raconte la photo (lointaine), dit la photo (cachée), explore la photo (absente), et, d’une certaine manière, prend son lecteur en photo (fantasmée). Lisant Interférences, je me suis vue parcourant, décodant, décryptant ces textes qui, pour une néophyte de l’univers photographique, résistent, échappent, fuient. Des textes qui, étrangement, ne rencontrent pas le visible comme pour mieux toucher et explorer la langue, autre figuration de l’invisible. Des textes d’une technique, d’un regard, d’une prise qui tournent autour de l’image (sans doute existante, compilée, sortie, classée, rangée ?) sans en susciter pour autant de précise dans l’imaginaire. Ils renvoient à un réel que je ne sais pas et que je ne vois pas — un réel que je ne voix pas, avais-je écrit. Et finalement c’est exactement ça. Interférences me fait prendre conscience que, malgré croyances, illusions et habitudes, toute une part du réel n’appartient ni à la catégorie du figurable et encore moins à la possibilité du dicible. Pourtant… S’il y a interférence, c’est bien qu’existe une superposition de phénomènes vibratoires de fréquence voisine qui finissent par produire un effet. Et c’est effet, ici, c’est la présence performative du texte qui va intervenir jusqu’à troubler la réalité, ma réalité.

Le livre se présente sous la forme de trois ensembles titrés successivement « Les espaces intermédiaires », « Interférences de mouvements » et « Aires ». Chacun regroupe seize, trente-et-un, puis cinq clichés : soit des blocs de prose, des vers, des fragments qui constituent les éléments ordonnés d’une série numérotée. On tourne donc les pages d’un album de photos dont les images sont remplacées par des textes. Vol, substitution, détournement, tour de passe-passe. Quelque chose est arrivé : par un étrange tour de magie on se retrouve avec, en main, un livre-album qui ne contient aucune image ! Photo disparue/texte apparu dans ce champ d’interférences que devient alors le livre, qu’on appelle parfois si justement recueil. Le premier texte évoque cette « vitesse d’/obturation » par laquelle l’obturateur d’un appareil photographique ou d’une caméra s’ouvre puis se referme. On retrouve cette action et ce mouvement accéléré dans chacun des textes déployés. Le temps de quelques minutes, il s’agit en effet de décrire tour à tour la prise et l’objet de la prise. Les pronoms (le on, le nous parfois) renvoient aux personnages (pris en photo) comme aux personnes (prenant les photos) : « SE DÉPLACE prise de vue torse que l’on immerge [révélateur] fixation de la forme on décadre du corps l’appareil d’angle très bas au niveau du sol mordant les dalles deux états [calme désordre] foules on surexpose un capteur archive répète lent la photographie d’un même endroit plusieurs années après l’aménagement d’un laboratoire le feutre absorbe la lumière restante au bas des portes l’agrandissement une série de filtres à contrastes des carrés vitreux translucides la matière souple colore la main trois récipients lorsqu’elle se révèle [pinces chimie] on duplique le visage [bords] une manifestation [1991 contre la guerre du Golfe] une foule très compacte [tête du cortège plan d’ensemble un homme avec un masque à gaz se dirige vers le barrage posté sur le pont face à face grande pancarte banderole de l’Appel grosse concentration] ». Et le lecteur, lui-même, est parfois volé — le texte le prend en photo !—, parfois voleur — ses yeux ne photographient-ils pas le texte, l’imprimant, en quelque sorte, dans son corps, dans sa tête, dans son esprit, dans sa mémoire ?

En inventant une langue heurtée qui refuse la ponctuation, Emmanuèle Jawad fait de l’acte photographique l’occasion de développer un « champ d’hypothèses » qui ne s’interdit pas le « je ». Ce dernier surgit en effet dans l’ultime fragment, comme un détail signifiant qui rappelle discrètement que toute prise de parole est avant tout l’expression d’un point de vue engagé. « Luttes » est d’ailleurs le dernier mot lancé avant que le livre ne se referme.

Anne Malaprade

Emmanuèle Jawad, Interférences, Al Dante/ les presses du réel, 2021, 72 p., 10€.

(Note de lecture), Céline Walter, Peau de lait, par Mazrim Ohrti

Le pays de Céline Walter, avec ses reliefs, son climat, ses espaces privilégiés mais aussi ses chemins non cartographiés sur lesquels il faut semer cette « Peau de lait » comme des petits cailloux blancs pour ne pas se perdre est précisément celui de l’enfance. On parlera de prose poétique à l’opposé de ce que les souvenirs d’enfance torrentiels dévoilent habituellement par la sécheresse (souvent monotone) du rapport psy. « La peau de lait », résidu alimentaire peu ragoûtant pour les uns est consommable pour les autres. Céline Walter, elle, l’observe sous toutes les coutures, en fait un objet transitionnel appelant à la contemplation en rappel inconscient (et ingurgitable) de sa vocation proustienne. Cette peau blanche, résiduelle, immaculée (?) est à la fois la mère, un marqueur du temps qui cherche sa trace légitime sur le long cours et un marqueur d’espace autour duquel créer le monde à sa guise.  « Maman, elle est peau de lait » émaille le recueil de bout en bout, car ici les rapports mère-fille meuvent l’expression (de soi) de l’auteure en poème. On notera la texture de l’aliment, sa nature élastique et imprévisible de s’imposer où on ne l’attend pas, comme fascinant et rappelant la prise du destin sur les choses et les êtres, suscitant donc aussi bien la fuite et l’évasion dès le plus jeune âge (voir p.11).    

Le regard de Céline Walter sur sa mère ne s’encombre ni de dureté ni de bienveillance. On ne devient pas poète par hasard. Les images utilisées pour percevoir le réel font en même temps fonction de son allègement par résilience : « je peux filer droit comme une image de moule à madeleines pour vous donner une idée militaire ». Plus loin : « on grandit avec les yeux plus gros que le ventre à cause du beau qui pousse partout ». De belles images, coincées entre le ton naïf de l’enfance et la puissance du regard qu’on y porte avec un sourire incrédule. Questionnements et expériences propres à l’enfance sont de mise concernant les premiers baisers, la question de Dieu, sa propre présence au monde. Monde dont le premier critère est le souci d’harmonie pour la poète, réorganisation du chaos. Nécessité pour Céline Walter de rallier cette nostalgie à une terre mythique où commander aux formes et phores pour trouver le bon équilibre entre dévoilement et pudeur, reformuler sans regret des références d’une génération (jusque dans les termes) qui commence lentement d’avoir fait son temps : « Les réclames, elles me font devenir complètement fourmi. Et c’est la télévision qui donne exprès le coup de pied. Après quoi, elle me chausse un canapé à la place du ventre et au chausse-pied s’il le faut ». Sous la nature cursive de ce type de narration selon rythme et ton habituels, perce une langue piquée au vif, dont ni le gel ni la chaleur étouffante des événements passés n’empêcheraient son travail de furetage, de fouille et d’attaque au détour. Car ici la langue est animale, païenne, soupe au lait (ou à sa peau) mais assumée quant à son rôle, sa responsabilité devant le lecteur, toute de détermination et de constance d’une révolte précoce. La « peau de lait » est adverbe qui s’accroche à la phrase, au service de la synesthésie de Céline Walter dont elle use comme d’une faculté d’éclaircissement au maximum de son intensité. Et ce, avec une syntaxe simple suggérant une ambiance labyrinthique renouvelant l’instant de découverte, où les racines et pierres d’achoppement affleurant sont autant d’épiphanies qu’on ramasse ou néglige au nom du destin accompli (au sens de l’amor fati). Ainsi le livre est une façon de s’ancrer dans le réel, de trouver sa juste place. Sa particularité stylistique (pour employer un gros mot) tient à ce glissement graduel et délicat d’une langue qui évolue jusqu’à un total mûrissement de bout en bout. Ce pour quoi cette langue se cueille comme un fruit. C’est même tout une forêt qui grandit pour accoucher de l’auteure et engendrer sa mythologie personnelle. Forêt qui est forme et in-forme à même de transcender cette histoire en nous étanchant d’un petit lait encore tiède. L’état modifié de conscience de Céline Walter lui donne de s’identifier à la nature, d’être au monde par la nature (selon le dieu Pan) vers une seconde et définitive naissance : « la forêt a le ventre chaud. Et de plus en plus rond. C’est que j’aime être dedans. C’est la dame qui veut ça. La dame me porte. Elle veut de moi. (…) Un arbre se penche. Il est un visage. (…) Et c’est lui qui annonce : « "c’est une fille" ».

Mazrim Ohrti

Céline Walter, Peau de lait, éditions le Chant du Cygne, 2021, 56 p., 10€

(Notes sur la création) : Grazia Deledda : un lieu idéal pour la poésie.

Les éditions Cambourakis ont publié en avril 2021 un roman de Grazia Deledda intitulé « Cosima », texte ouvertement autobiographique selon l’éditeur, mais resté inédit en France. L’auteure est née en Sardaigne en 1871 et a reçu le prix Nobel en 1926.
Grazia Deledda nous donne à voir la Sardaigne de la fin du XIXème siècle, du moins la partie de l’île où elle a vécu son enfance.
Cosima, la jeune héroïne, présente une première vision de ce monde de paysans, de bergers et de commerçants : c’est une réalité bien sombre, y compris dans le cercle familial ; mais cependant une réalité où circulent les contes et les chansons populaires.
Cosima superpose une autre vision, celle d’un monde tourné vers le surnaturel, la magie et peuplé de fées. Cet aspect du monde lui donne le courage de commencer à écrire dès l’adolescence.
Du courage, il lui en faudra pendant des années pour affronter l’adversité, même et surtout quand elle aura publié ses premiers récits. Un exemple : sa mère s’inquiète davantage du sort de Cosima que de celui de ses fils, un alcoolique et un débauché qui dilapident les biens familiaux, parce qu’elle est une jeune femme qui écrit.
Mais un jour, Cosima a découvert une colline, avec une petite église où se déroule une neuvaine à la Madone. Elle va y séjourner et s’isoler dans une cabane ; elle écrit et se laisse gagner par ce paysage, à ses yeux le lieu idéal de la poésie.

Oh, elle avait bien apporté son encrier, enveloppé dans un chiffon noir et fourré dans une chaussure pour qu’il ne se renverse pas durant le transport ; et elle trouva aussi, dans la demeure primitive, une espèce de niche, qui aurait dû servir pour quelques bougies et quelques images pieuses, mais dans laquelle elle déposa son encrier, son porte-plume, son carnet et quelques livres, formant ainsi un petit autel pour les mystères de son art.
Ensuite elle rejoignit ses sœurs dans le bois ; et ce furent des heures et puis des jours de joie exaltante. Ne fût-ce pas un rêve ? Mais un de ces rêves qui suffisent à éclairer une vie, même dans les coins les plus ombragés, comme le soleil et la lune éclairaient, en ces jours fabuleux d’août, le bois de chênes verts autour de la petite église miraculeuse. Quelle importance cela avait-il que la cabane soit modeste et l’accueil fruste ? Elle servait de refuge seulement la nuit, et pour Cosima pendant ses heures d’écriture ; le bruissement du bois la couvrait du son d’un orgue, et la lune de son drap argenté. (…) Mais pour Cosima, c’était quelque chose de plus vaste et de plus palpitant ; c’était tout un réseau de mystères, un déroulement de choses surprenantes, comme si elle flottait sur un fond océanique, entourée, non par le bois sauvage de chênes verts et les rochers fantastiques, mais par toutes les merveilles des forêts sous-marines.
En ce lieu magique, Cosima guette et espère l’arrivée du jeune homme dont elle est éprise.
(…) et le seul espoir de le voir, même à la dérobée, dans ce paysage qui était le paysage même de la Poésie, remplissait l’âme de Cosima d’une joie sans limites. (Extrait pages 97-98).

Choix de Philippe Fumery

Grazia Deledda, Cosima, Cambourakis, 2021, 172 pages, 10€

(Anthologie permanente) François Bizet, Traité du corail

 

 

Les Editions Fidel Anthelme X publient en un fort et impressionnant volume le Traité du Corail de François Bizet. Elles ont accepté d'en donner un extrait plus que substantiel à Poezibao, pour que les lecteurs du site puissent se faire une idée de ce traité hors-normes. Qu'elles en soient vivement remerciées.




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Site de l'auteur : « Traité du corail est le titre d’un ouvrage inédit, consultable aux archives du Muséum d’Histoire naturelle, écrit par un savant du XVIIIe siècle. Peyssonnel (c’est son nom) y rend compte de sa découverte de l’animalité du corail. C’est un traité à l’ancienne, et malgré la nouveauté des expériences menées et du résultat en termes de classification, son auteur n’a jamais vraiment joui de la reconnaissance qu’il espérait que sa trouvaille (confirmée par d’autres peu après lui) aurait pu lui apporter.
L'intention toutefois n’est pas de reconstituer une « vie imaginaire » ou une « vie minuscule ». Pas de visée exofictionnelle. Cet épisode de l’histoire des sciences naturelles n’est donc qu’un prétexte. Prétexte à explorer le mystère de la triple nature du corail, à travers un texte lui aussi génériquement composite, et d’une variété de langues qui doit beaucoup aux mémoires publiés par l’Académie Royale des Sciences de l’époque, abondamment recyclés dans le rythme d'ensemble. Prétexte aussi à déplacer le récit du côté de la multiplicité et de la prolifération organique (le corail étant une association indéfinie de terminaisons individuelles), qui a pour effet de brouiller l'énonciation. Prétexte enfin à rendre le personnage au Temps qu'il traverse et qui le traverse (tremblement de terre de Lisbonne, écartèlement de Damiens, diffusion de l'héliocentrisme). Si Traité du corail est le titre emprunté au personnage historique, cette version se présente donc comme la réorchestration d’une matière dont le narrateur n'est autre qu'un récif, individu à plusieurs voix anonymes, constructeur erratique de l'histoire personnelle, mais aussi collective, terrestre, cosmique — le corail lui-même, répondant seul de la fiction. »

(Carte blanche) à Frédérique Guétat-Liviani et Christian Désagulier : comptes&contes

Frédérique Guétat-Liviani et Christian Désagulier ont publié un très intéressant livre tête-bêche autour du conte.
« Réalisant sur le chemin de la conterie que l’une et l’autre ont écrit des contes aux étonnantes correspondances, lesquels voudraient traduire les échanges que les êtres et les choses ne cessent d’entretenir entre elles et eux dans cette esperanto féérique, provoquent d’éblouissements et d’assourdissements chez qui veut bien ‘une fois est-il’ ouvrir grands les oreilles et les yeux après quoi on ne peut plus dormir tranquille (Pierre Reverdy), l’idée d’1 livre à 2 traverse alors l’esprit de Frédérique Guétat-Liviani et Christian Désagulier.
Le résultat : Comptes rouges et & ronds et Conte en peau de chagrin, publié chez fidel anthelme X.

Les deux auteurs ont proposé à Poezibao une extension de cette aventure avec deux nouveaux « contes », le "compte" de Frédérique Guétat Liviani intitulé « 1/2 deuil « (A) et le métaconte d'après « Le briquet » d'Andersen intitulé « Le féroce soldat » (B)..
Les voici, publiés ici au format PDF, pour en respecter la mise en page (y compris le ‘tête-bêche’), les rendre plus faciles à imprimer ou à enregistrer.

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Frédérique Guétat-Liviani et Christian Désagulier dédient cette parution à la mémoire d'Henri Deluy.